LA DÉCIMA SINFONÍA de Joseph Gelinek

Daniel Paniagua es un prestigioso musicólogo especialista en Beethoven que, un día, es invitado a asistir a un concierto exclusivo del maestro Ronald Thomas, que se dispone a mostrar al mundo de la música su supuesta reconstrucción de la mítica Décima Sinfonía de Beethoven.
Sin embargo, cuando tras el concierto el prestigioso músico sea asesinado, Daniel se verá inmerso en una conspiración para encontrar el aunténtico manuscrito de la Décima, en la que todos son sospechosos, y en la que el oscuro pasado de Beethoven jugará un papel decisivo.

El thriller es un género que siempre ha tenido un puesto destacado dentro de los gustos de la inmensa mayoría de los lectores, y más aún estos días con el impulso que le ha dado al género lo que un servidor llamo "literatura de conspiraciones", moda inaugurada por la ya mítica El código Da Vinci de Dan Brown, y otras obras suyas como Ángeles y Demonios y El Último Símbolo , así como por la novela de superior calidad El ocho de Katherine Neville, que dejaron el terreno abonado para que multitud de autores, en su mayoría desconocidos para todos, se lanzaran a la aventura y decidieran probar con el reto de escribir un thriller. Lo malo es que en muchos casos, la inexperiencia se hizo patente , surgiendo productos de escasa calidad, que van desde lo regular hasta lo más soporífero. Algunos sin embargo, simplemente te dejan indiferente, La Décima Sinfonía se incluye dentro de esta categoría.

La Décima Sinfonía, dicho con las mejores palabras posibles, es ni más ni menos que un refrito de todos los thrillers importantes que ha habido en los últimos años. Para lograr este mezcla, no hay más que coger una pizca de conspiración mundial y artefactos míticos que bien podían hallarse en El Ocho, mezclarlo con alguna sociedad secreta DanBrowniana, añadirle una pizca de hechos relacionados con Beethoven, para que se note de que va la novela, y ¡voilá!, ya tienes tu Décima Sinfonía.
De ahí que a lo largo de la trama el lector se encuentro elementos de todo tipo, ya sean cadáveres decapitados, claves encriptadas, códigos místicos, descendientes de Napoleón o masones (que por algún lado tenían que aparecer), logrando un batiburrillo de conceptos que desconcierta incluso al propio autor, prueba de ello es el hecho de que la trama avance a trompicones, perdiéndose en giros del argumento totalmente innecesarios y que no conducen a ningún sitio, para finalmente resolverse de manera totalmente precaria, intentando atar todos los cabos sueltos aparecidos durante la trama y dejando al lector, obviamente, con un palmo de narices, y al propio autor, con un cartel de INEXPERTO colgado del cuello.

Dicho esto, queda claro que, a pesar de tratar un tema atractivo, la novela no acaba de convencer, ya que, amen de todo lo ya mencionado, presenta unos personajes totalmente planos y repetidos a lo largo de los últimos años hasta la sociedad y un estilo de escritura en el que no acaba de quedar clara la intención del autor, ya que por un momento te presenta un diálogo entre dos personajes en un registro culto a más no poder para, al cabo de dos líneas, liarse a soltar vulgarismos propio del más cateto de los pueblerinos (sin ánimo de ofender).

Ahora sí, al margen de estos conceptos, cabe destacar algo digno de aplaudir, y es el aplastante y totalmente reconocible conocimiento del autor sobre la vida y obra de Beethoven, y es que, si no fuera por el enfoque novelístico que el autor le intenta dar a la obra, bien podría ser un tratado sobre la vida del compositor. Cuando uno lee la novela, le queda claro al instante el enorme trabajo de documentación que hay detrás de esta y también, el esfuerzo por intentar que detalles tan enrevesados de la historia de la música le lleguen claros al lector, lo que es desde luego un punto a favor del autor.

En resumen, la Décima Sinfonía es un thriller mediocre como otros tantos, en el que la mezcla de personajes planos, una trama mal lograda, un estilo pésimo y, en conjunto, una obra fruto de la inexperiencia, hace que la novela haga aguas por todas partes, logrnado que el lector pronto se canse de ella. A pesar de ello, sí que supone un gran trabajo de documentación, una narración precisa y clara de algunos de los datos menos conocidos de la vida y obra del compositor lo que, para alguien como un servidor, amante de la música clásica, es de agradecer. Así que...

RECOMENDADO únicamente a aquellos interesados en la música clásica y/o en las vidas de los grandes compositores, ya que siempre viene bien saber algo más de estos grandes. En cuanto a aquel que busca el thriller del año, siga buscando, porque aquíúnciamente hallará más de lo mismo.

A SERBIAN FILM de Srdjan Spasojevic

Título: A Serbian Film
Director: Srdjan Spasojevic
Intérpretes: Srdjan Todorovic (Milos), Segej Trifunovic (Vukmir), Jelena Gavrilovic (Marija), Slobodan Bestic (Marko)
Año: 2010
Calificación (sobre 10) : 4

NOTA: De aquí en adelante hago saber que todas las críticas de aquellas películas cuya calificación sea inferior al aprobado tendrán probablemente multitud de SPOILERS en su contenido, e incluso es posible que se destripe el final de la película. ¿El motivo?, para que si finalmente decidis verla conozcáis de antemano aquello que vais a visualizar. Nada más y nada menos.

La censura atrae a las masas. Hechos cinematográficos anteriores como La Pasión de Cristo, Brockeback Mountain o Saw VI lo demuestra. Sin embargo, a pesar de ello, parece que gran parte del "cine" actual buscan crear polémica introduciendo el mayor número posible de escenas sexualmente explícitas y la mayor cantidad de salvajadas por fotograma que el sentido ético les permita. No hacen falta más palabras que estas para introduciros al submundo de la película de la que hoy me toca hablaros, A Serbian Film.

Resumidamente, A Serbian Film cuenta la historia de Milos, un ex actor porno retirado, que vive una vida al borde de la miseria junto a su mujer, Marija, su Petar y su hermano Marko, un policía semi-impotente que desea a la mujer de Milos.
Un día recibe una proposición del director de cine Vukmir por la cual le ofrece una cantidad de dinero exhorbitante a cambio de que participe en el rodaje de una película totalmente diferente a nada de lo que anteriormente se hubiera rodado.
Tras aceptar y comenzar el rodaje, Milos se da cuenta de que hay algo demasiado siniestro en el film en el que está participando e intenta retirarse de este, pero sin embargo es secuestrado y drogado por Vukmir quien le obligará a participar en una serie de escenas pornográficas totalmente dantescas que tienen su clímax en la violación de la mujer e hijo de Milos a manos del propio actor y su hermano, la cual termina con la matanza indiscriminada de todo el equipo de rodaje a manos de Milos.
Finalmente,tres días despues, Milos se recupera del efecto de las drogas y, tras recordar todo lo sucedido se suicida junto a su familia. La escena final muestra a tres hombres con cámaras entrando en la habitación donde se encuentran los tres cadáveres, dispuestos a grabar una película similar a la que estaba grabando Vukmir.

Como supondréis, con semejante argumento, la película no supone más que una copilación de escenas hiperviolentas, sexualmente explícitas y en algunos casos totalmente desagradables. Con deciros que lo más bonito que veréis en la película sera una sodomía os aclaro todo.
Así pues, entre los distintos "cuadros" que nos ofrece Spasojevic destacan escenas tan "especiales" como un coito que culmina con una decapitación, una felación obligada a una mujer a la que previamente le han arrancado los dientes que termina con la muerte de la misma por asfixia, escenas de insinuaciones que rozan la pederastia, un pene erecto atravesando la cuenca vacía de un hombre provocando su muerte, y por supuesto, la ya para siempre vomitiva escena del "New Born Porn", la sodomización (no explícita) a un recien nacido.

A pesar de la insensatez que supone rodar semejante destrempada, la película no está mal hecha para nada, el director tiene buen pulso con la cámara, hace un juego de luces bastante curioso e incluso llega a dotar a la primera mitad de la película de un aura bastante inquietante que, al principio, parece augurar buenos resultados.
Claro, que cuando contempla la vorágine de violencia sin sentido que sigue a esta primera mitad y calibra los resultados, evidentemente el film cae en la más profunda miseria sin remedio alguno.

Y es que a un servidor no le molesta ver violencia, pero en una película, o la violencia está totalmente justificada al servicio de un argumento serio, o está totalmente injustificada al servicio de un argumento coña (vease Machete), no puede existir término medio. Está cientícamente demostrado, toda película que intente tener un trasfondo serio metiendo a su vez en el metraje violencia a cascoporro y totalmente injustificada, se hunde sin posibilidad de retorno en las más profunda de las mierdas .
Esto, unido a que aproximadamente el 65% del metraje esté compuesto por escenas erótico/pornográficas, hace imposible el poder extraer algo serio y positivo de la película..

En cuanto al plantel de actores, la inmensa mayoría únicamente se dedican literalmente a aparecer, follar y marcharse, o a permanecer callados y sujetando una cámara todo el fim, por lo que no merecen mayor consideración. Sin embargo, los dos protagonistas, Srdjan Todorovic y Sergei Trifunovic , que interpretan a Milos y a Vukmir respectivamente trabajan bastante bien si se los compara con el resto de "intérpretes", llegando a convencer en sus respectivos papeles, especialmente Trifunovic, cuya interpretación entre la sobreactuación y la profesionalidad, que recuerda enormemente a la de Cristoph Waltz en Malditos Bastardos, es sin duda lo mejor de la película.

Y después de todo esto...¿que supuesto mensaje esconde la película?, porque estamos hablando de una película "seria" con trasfondo ¿o no?.
Puede que este sea la violencia inherente a la sociedad actual... pues no.
Entonces... quizá sea una especie de crítica al oscuro mundo de la pornografía violenta y las snuff movies. NO, no es nada de eso.
Según el autor, la película en su totalidad es una metáfora sobre la Guerra de los Balcanes que asoló Serbia y sus consecuencias, en sus propias palabras, "Ese bebé sodomizado representa la juventud e inocencia que nos fue robada"...Ver para creer.

En fin, una película totalmente horrenda en la que la violencia injustificada, las escenas desagradables y las escenas de sexo explícito campan a sus anchas, devorando todo aquello que parece asemejarse a un intento de hacer una película seria. Un error que ni siquiera una dirección de calidad aceptable y unos protagonistas bastante prometedores puede reflotar, y que ha sido creado exclusivamente para sembrar la polémica entre la ya bastante perturbada audiencia de nuestros días y entrar en la ya de por sí extensa lista de películas censuradas, la cual crece y crece cada día más.
Ya está. No tengo más que decir sobre esto.

TOTALMENTE IRRECOMENDABLE para cualquier persona decente, básicamente. porque no todo el mundo puede aguantar las escenas hiperviolentas que contiene la película o no está dispuesto a contemplar una hora aproximada de escenas pornográficas.
Visionado únicamente recomendado a aquellos que decidan verla por su propia voluntad o bajo prescripción médica, quienes deben manejarla con extrema precaución.
Resto de Seres Humanos, abstenerse.

MACHETE de Robert Rodriguez

Título: MACHETE
Director: Robert Rodriguez
Intérpretes: Danny Trejo (Machete), Jessica Alba (Sartana Rivera), Robert De Niro (Senador McLaughlin), Jess Fahey (Michael Booth), Michelle Rodriguez (Luz/Ella), Cheech Marin (Padre), Lindsay Lohan (April), Steven Seagal (Torrez), Don Johnson (Bon Jackson)
Año: 2010
Calificación sobre (10): 7

Actualmente, el público en su conjunto sigue llendo al cine por dos cosas, la primera, buscar entretenimiento puro y duro con el pasar una tarde/noche que de otro modo podría ser desperdiciada, segundo, para disfrutar del visionado de un largometraje que contenga proporciones equivalentes de profesionalida, belleza, ingeniosidad tanto en el guión como en el argumento y la interpretación y, si es posible, algo en lo que pensar. Básicamente lo segundo es lo que algunos llaman "séptimo arte" y otros simplemente llamamos "buen cine", mientras que lo primero es conocido comúnmente como "cine palomitero".

En la actualidad la práctica totalidad de las películas estrenadas en cine buscan lo primero, muchas (muchísimas) de ellas fracasan a la hora de lograr un entretenimiento con el que todo tipo de público disfrute, algunas sin embargo consiguen esto precisamente...MACHETE desde luego lo consigue. MACHETE es entretenimiento elevado a la enésima potencia. Ahora os voy a explicar por qué. Vayamos por partes...

MACHETE cuenta la historia de Machete, un ex policía mejicano que, tras ver como su familia era asesinada por el capo de la droga Torrez se ve obligado a subsistir trabajando como jornalero e inmigrante ilegal en E.E.U.U. Un buen día recibe la oferta de un hombre misterioso que le ofrece darle 150.000 dolares a cambio de acabar con la vida del senador McLaughlin, un político corrupto que pretende expulsar a todos los inmigrantes ilegales de E.E.U.U. Sin embargo, cuando en plena operación es traicionado y tiroteado por los hombres que le contrataron, Machete iniciara una sangrienta vendetta para la cual contara con la ayuda de su hermano, el cura "Padre"; de Luz, la líder de una misteriosa organización y de Sartana una agente de la Policía Fronteriza.

Esto es lo que ofrece MACHETE, nada más, y es por ello por lo que se pude considerar entretenimiento en estado puro. MACHETE es una película totalmente hecha para ganarse la aprobación del público, es una película que lo único que pretende es ser una broma continua, no tomándose en serio en ningún momento, lográndose así una diversión de épicas proporciones. Para ello se apoya en varios aspectos.

El primero es una marca característica de películas de directores tales como Rodriguez o Tarantino: la sangre, a borbotones, a chorros, en cantidades tan gigantescas y desproporcionadas que convierte una matanza dramática y cruel en una escena mas propia de una comedia. Intentar hacer un recuento de los muertos que hay en películas como MACHETE es un intento futil,de hecho, por poner un ejemplo, en el film del que estamos hablando, nada más comenzar la película, a los 10 minutos del inicio, Danny Trejo ya ha decapitado a aproximadamente quince personas, y eso no es más que el comienzo. En resumen, que la violencia y la sangre se convierten en elementos utilizados por el director para crear un escenario en el pueda desarrollar las más imaginativas y enfermizas muertes y proporcionarnos así , una diversión sin precedentes.

El segundo punto a tener en cuenta es el guión. Diálogos cortos y efectivos, son los calificativos más apropiados para MACHETE. Danny Trejo probablemente no tenga más de seis páginas de guión en toda la película (quizá esté exagerando un poco), pero cada vez que abre la boca de su interior sale una frase mítica y que queda grabada en la retina del espectador, es sin duda, algo inolvidable. Si, la mitad de los diálogos se basan en tópicos propios de este tipo de películas, pero que más da, eso es lo que se pretende, eso es lo que busca Rodriguez, lo justo y lo necesario para entretener al público, nada más. Y vuelvo a reiterar que lo consigue, y con creces.

El último punto, y probablemente el más importante sea el reparto, una plantilla de actores que podríamos dividir en tres categorías: los clásicos, los decadentes y los que cumplen con su papel sin más.
Los clásicos , como espero que el lector haya averiguado, son los ya veteranos actores Danny Trejo y Steven Seagal. Actores que interpretan los mismos papeles que llevan interpretando toda su vida, y con mejores resultados de los que nos tienen acostumbrados.
Danny Trejo es Machete, el protagonista, el tipo duro, el que fuma habanos hechos a mano, el que tiene las mejores frases, aquel cuya mirada inexpresiva le basta para conquistar a cualquier mujer, aquel que, valiéndose únciamente de su Machete puede acabar con cuantos enemigos se pongan por delante. Es, sin duda alguna, el personaje y el actor más carismático de todos cuantos pasan por la película, Danny Trejo sabe aprovechar el papel que le han dado y lo explota lo máximo que puede, consiguiendo así, un héroe memorable del que todos hablan al salir de la sala, y una de las interpretaciones más destacables de la película, y desde luego, la mejor de su carrera.

El otro clásico es Steven Seagal, curtido actor de películas de acción, y uno de los más inexpresivos de la historia del celuloide. En Machete, Steven Seagal, cuya interpretación no debiera haber pasado de un cameo, adquiere un protagonismo que algunos podrían considerar inexplicable pero que representa el contrapunto a Danny Trejo. Mientras que este era un actor de segunda que, después de realizar interpretaciones miserables durante largos y largos años, ha pasado a ser el protagonista de su propia película, logrando su mejor interpretación hasta la fecha, Steven Seagal es alguien que ha pasado de hacer grandes trabajos (dentro del cine de acción) a convertirse en una desgracia ambulante que únicamente sale de la oscuridad para rodar clones de sus anteriores películas, cada vez más deleznables. En Machete, Steven Seagal se interpreta de nuevo a sí mismo, logrando el resultado al que nos tenía acostumbrados en los viejos tiempos. Ojalá siga así.

Otra categoría es la que un servidor ha llamado los decadentes, porque Lindsay Lohan, Cheech Marin y Michelle Rodriguez nunca han sido buenos actores, y nunca lo serán. Pero el pobre Robert de Niro ha alcanzado unos niveles de degradación que son insuperables, desde aquí afirmo que la carrera de Robert de Niro ha acabado en Machete. Si ignoramos a los actorcillos que he mencionado antes, la interpretación de Robert de Niro es con mucha diferencia, la peor de la película, Que un hombre que ganó un oscar por su genial interpretación de Jack LaMotta en "Toro Salvaje", un hombre que ha sido un ejemplo a seguir de como interpretar a un mafioso, un hombre que fue uno de las mejores encarnaciones de Lúcifer jamás vistas ,se degrade a un nivel tan bajo es algo triste, muy triste la verdad. Y es que el paso de Robert de Niro por Machete viene acompañado de escenas tales como Robert de Niro cazando inmigrantes al inicio de la película, Robert de Niro dando saltos de rana, Robert de Niro disparando en un estilo jamás inventado, Robert de Niro sobreactuando...en una sola palabra: el horror absoluto.

El resto de actores se puede decir de ellos que cumplen con su papel de la forma más corriente posible, pudiéndose destacar en especial a Jessica Alba, que saca adelante su papel de bellezón de manera satisfactoria (gran parte de ello se debe a su, para mí, indudable belleza, hablando en cristiano, que esta de toma pan y moja, sin duda uno de mis prototipos de mujer perfecta, desde luego, es una de esas actrices que saben como valerse de sus atributos físicos, sea cual sea el papel al que se enfrente).

Otros hechos a destacar de la película, su claro homenaje por parte de Robert Rodriguez, en una dirección no muy destacable sin la comparamos con algunas de sus obras anteriores(Sin City principalmente), a las películas de acción de los 70, algo que se repite durante toda la película, y que es de agradecer por parte de espectadores como un servidor.El hecho de que tanto el guion, como la direccion, y, atencion, la banda sonora, corra a cargo de Rodriguez es un punto a su favor. Y...ya esta, creo que con esto he terminado de defender la película.

En resumen, si bien es verdad que no es para nada una prodigiosa obra de dirección, ni una mina de interpretaciones cuidadas y de calidad, y por supuesto no es una película a tomarse en serio ni siquiera por ella misma. MACHETE es un prodigio, un prodigio a nivel de entretenimiento, puedo asegurar que me he divertido más viendo Machete que viendo cualquier comedia estrenada en los últimos años. Desde que empieza hasta que acaba es un no parar de situaciones grandiosas, violencia extrema, personajes topicazos, diálogos para el recuerdo y sobre todo, de una enorme dosis de sinvergonzería. Es un "Y que más da", puedes buscarle defectos, puedes criticar su previsibilidad, su absurdo guión, puedes criticar a Steven Seagal, al decadente Robert de Niro, puedes sacarle las pegas por muchas partes, pero "Y que más da", si lo que importa es el entretenimiento, el "cine palomitero" en estado puro.

Por esa hora y cincuenta minutos de diversión sin fin, MACHETE se lleva mi aprovación y un 7 en la calificación. Porque uno tambien puede ir al cine a entretenerse sin más. Que aprendan algunos del bueno de Rodriguez. Ojalá en el futuro cada buen director actual tenga su MACHETE, yo por lo menos, así lo espero.

Y recordad que Machete no os manda mensajes. Machete improvisa.

Hasta aquí el programa de hoy.

ORIGEN (INCEPTION) de Cristopher Nolan

Título: Origen (Inception)
Director: Cristopher Nolan
Intérpretes: Leonardo Di Caprio (Cobb), Joseph Gordon-Levitt (Arthur), Ellen Page (Ariadne), Ken Watanabe (Saito), Cillian Murphy (Robert Fisher), Marion Cotillard (Mal)

Año: 2010

Calificación (sobre 10): 8

Un buen director se debe hacer notar en la gran pantalla. Debe conseguir mantener al público expectante y entretenido durante todo el metraje, además de introducir planos, escenas, diálogos, etc que queden impregnados en las retinas del espectador. Sólo así se consigue aquello que algunos llaman "arte" y otros simplemente consideramos como "buen cine". Cristopher Nolan es uno de los pocos que, a día de hoy, logra esta hazaña.

Nolan, que catapultó su carrera con aquella película cuanto menos curiosa titulada "Memento" y se hizo un hueco entre el público mundial con la resurreción (es la única expresión que se le puede aplicar) del personaje de Batman con "Batman Begins" y ese pedazo de cielo que es "El caballero oscuro" , la cual, actualmente, se encuentra entre mis películas favoritas. Pero dejémonos de rodeos y vayamos directos al grano: ORIGEN.

Ante todo hay que decir que el argumento de ORIGEN es complicado como él sólo, rozando unos niveles que un servidor no había visto desde la trilogía Matrix (aunque esta película posee mucho mayor sentido que la trilogía de los Wachowsky, pero eso es otra historia y debe ser contada en otro momento).
ORIGEN cuenta la historia de Cobb, un extractor, un personaje que, en un futuro hipotético en el que la tecnología permite a las personas introducirse en los sueños de otras, se encarga de extraer información de estos sueños. Tras una misión fallida,Saito, un empresario con el que Cobb había intentado la extracción, le ofrece un trato, le conseguirá los permisos necesarios para que Cobb pueda volver a su país a cambio de que Cobb y su equipo logren lo que nadie ha logrado antes: el ORIGEN, la introducción de una idea en la mente de una persona. Mediante el ORIGEN, Saito pretende que un importante empresario llamado Robert Fisher acabe con el imperio que ha heredado de su padre. Así pues , Cobb y su equipo junto con el propio Saito se disponen a enfrentarse a lo imposible, sin embargo una amenaza se cierne sobre ellos en la forma de Mal, la desaparecida esposa de Cobb, que al parecer siempre interviene en las misiones de este provocando que fracase

Ante todo hay que decir que intentar contar el argumento de ORIGEN sin haberla visto es bastante complicado, sobre todo porque Cristopher Nolan introduce muchos términos nuevos que utiliza para referirse al mundo de los sueños, la tecnología que se usa para acceder a este, etc, lo que quizá sea uno de los fallos de la película, ya que tardas un buen rato en coger "el truquillo" sobre lo que están hablando los personajes

En cuanto a la trama, no se puede decir otra cosa de ella que soberbia, combinando acción con intriga y las dosis justas y adecuadas de emotivismo se crea una historia en un mundo nuevo, completamente original, sin que se llegue a caer en lo tópico. Una historia que funciona por si sola desde un principio que literalmente te descoloca hasta llegar el final, uno de los mejores que he visto en mucho tiempo.

La dirección de Nolan es la que nos tiene acostumbrados, destacando sobre todo las escenas de acción, muy bien rodadas, sobre todo porque, al contrario que otros directores, no abusa del tiempobala, las ralentizaciones y otros recursos propios del cine de acción. Sin embargo, al tener un mundo con el que practicamente puede hacer de todo en la palma de la mano, Nolan nos presenta escenas de acción en las que los personajes caminan por las paredes y techos, levitan, etc, que simplemente te dejan sn aire, destacando especialmente la pelea que se produce en los pasillos del hotel.

En cuanto al plantel de actores, son todos muy "normales", de hecho, practicamente ninguno sobresale por encima de los demás (quizá Di Caprio, aunque sólo en ciertos momentos de la película), por lo que se puede decir que todos se encuentran al mismo nivel en lo que a calidad interpretativa se refiere.
Di Caprio vuelve a obsequiarnos con la misma interpretación de siempre. Siempre he dicho de Di Caprio que sus mejores papeles son aquellos que no pertenecen a películas de drama, es decir, que para mí interpreta mejor a su personaje en películas como Shutter Island que en otras como Titanic. De este modo, su interpretación en ORIGEN es bastante equilibrada, ya que tiene muy buenos momentos y también otros bastante decepcionantes, pero por lo general está bastante correcto.
Ken Watanabe tambien cumple en su papel de Saito. Sin embargo, hay que destacar que, al igual que en anteriores films como El Último Samurai, el actor acarrea consigo un pésimpo doblaje que hace que no te enteres demasiado bien de lo que habla hasta pasado un buen tiempo.
El resto de los actores están correctos en sus respectivos papeles, destacando quizás más Marion Cotillard y Ellen Page por encima de los demás. De Michael Caine no voy a hablar, dado que su intervención es más bien un cameo, apareciendo nada más que unos 10 minutos en el film.

En resumen, una gran película más que contribuye a realzar aún más si cabe la carrera de un ya aclamado director. Con una trama compleja como ella misma y que sin embargo funciona por sí sola, una gran dirección, destacando sobre todo las escenas de acción, unos personajes bastante bien desarrollados y unas interpretaciones equilibradas de las que se puede destacar tanto pros como contras.

RECOMENDADA a todos aquellos que hayan visto alguna película de Nolan, a los que quieran ver algo que les de para pensar un poquito y, en general, a todos los que quieran ver un film que les recuerde por que la gente va todavía al cine.

KICK-ASS de Matthew Vaughn

Título: Kick ***
Director: Matthew Vaughn
Intérpretes: Aaron Johnson (Dave Lizewsky/Kick ***), Chloe Moretz ( Hit Girl), Cristopher-Mintz Plasse (Chris D'Amico/Bruma Roja), Nicolas Cage (Big Papi), Mark Strong(Frank D'Amico)
Año: 2010
Calificación(sobre 10): 7

El cine de superheroes es, actualmente, uno de los géneros que más dinero genera, y también uno de los mejor recibidos por el público. Aunque se puede decir que el cine de superhéroes (superhéroes basados en el cómic) comenzó con el Superman de Richard Donner o con el Batman de Tim Burton, el modelo actual de película de superhéroes que se ha ido repitiendo a lo largo de los últimos años (y que ha permitido beneficios casi seguros para aquel que decide hacer una película de superhéroes) es el impuesto por el film Spiderman de Sam Raimi del año 2002. Según este modelo cualquier película de superhéroes que se plazca debe de tener un argumento claro y sencillo, unos héroes yvillanos pintorescos y a ser posible con un buen número de fans, debe aunar dosis de acción con toques humorísticos (siempre que sea necesario) y sobre todo, sobresalientes efectos especiales. Así en los últimos años han ido saliendo al mercado multitud de films de temática superheroica, algunas buenas, como la mencionada Spiderman y su secuela, Batman Begins, X-Men y su secuela o Iron Man; algunas regulares, como el Increíble Hulk, Los 4 Fantásticos o Iron Man 2; y mojones insufribles como El Castigador, Daredevil, X-Men: Lobezno o Spiderman 3.

El género de las películas de superhéroes, debido a los pingües bineficios que aseguraa el modelo descrito anteriormente , no se ve sometido a grandes cambios con regularidad, por lo que resulta un género muy poco original así como muy superficial, sin embargo, de vez en cuando, un director se plantea traer algo de frescura a este género del que, para que engañarnos, se podría sacar mucho más provecho, logrando películas de gran calidad y con un toque novedoso que las diferencia del resto de películas del género. El ejemplo más reciente y destacable es la genial, se mire por donde se mire, El Caballero Oscuro de Cristopher Nolan, en donde la profundidad de los personajes predominaba por encima de otros aspectos. En ese aspecto, KICK-*** representa un toque de frescura al género superheroico.

En KICK-***, se nos presenta la vida de Dave Lizewsky, adolescente americano, friky por excelencia, con índice cero de popularidad y éxito entre las chicas, que un día se hace la pregunta que cambiará su vida ¿por qué uno no puede hacerse un superhéroe?. Así pues, se enfunda en un traje de buzo verde e inicia una carrera como justiciero enmascarado. Sin embargo, pronto se verá inmiscuido en una venganza contra la familia mafiosa presidida por Frank D'Amico por parte de dos vengadores enmascarados que se hacen llamar Big Papi yHit Girl.
La película goza de todos los elementos típicos de una película de superhéroes, pero además va un paso más allá al centrarse en tratar dos interrogantes: ¿qué es lo que hace a una persona un superhéroe? y ¿cómo podría sobrellevar su vida un superhéroe?
El protagonista no tiene un origen como Spiderman o Hulk, simplemente se hace superhéroe en busca de una respuesta a la pregunta ¿por qué no puedo uno mismo ser un superhéroe?. Matthew Vaughn enfoca la película entera alrededor de esta pregunta.

El punto fuerte del film son sus pintorescos personajes, así como la mayoría de las interpretaciones de dichos personajes.
El primero es el protagonista, Kick-***/Dave Lizewsky, interpretado de manera correcta por Aaron Johnson, que cumple con lo exigido por su personaje, ni más ni menos, al igual que su alter ego Bruma Roja, interpretado por Cristopher Mintz-Plasse (en este punto hay que señalar el desagradable doblaje que acompaña a este personaje, que hace parecer al personaje una especie de retrasado mental, cosa que en realidad desde luego no es).

Luego tenemos rondando por ahí a Nicolas Cage, quien parece estar recuperándose un poco después del interminable número de interpretaciones de risa en películas nefastas,por poner algunos ejemplos tenemos Next, El motorista fantasma o Teniente Corrupto (XD, esta última es totalmente tóxica para el cerebro humano, absteneos de visionadla). De hecho, se considera que Nicolas Cage es uno de los actores cuya caché ha descendido más en picado en los últimos años, en lo que parece ser una carrera para que le revoquen el oscar que ganó por Leaving Las Vegas. Así debería celebrar que, en KICK-***, haya logrado tener la primera actuación que puede considerarse "buena" desde El Señor De la Guerra . Una vez más, Nicolas Cage parece un ser humano.

En toda película que se precie hay interpretaciones malas, interpretaciones regulares e INTERPRETACIONES con mayúsculas. En este caso tenemos dos candidatos luchando por el primer puesto, uno ya curtido en el mundo del cine y una nueva promesa que a mí, personalmente, me ha sorprendido.

El veterano es Mark Strong, actor británico que parece haber nacido para interpretar papeles de villano de manera sobresaliente, entre sus interpretaciones más recientes se encuentran la de Lord Blackwood, villano de Sherlock Holmes de Guy Ritchie o la de Godfrey, antagonista de Robin Hood de Ridley Scott (y una de las pocas cosas reseñables del film). En KICK-*** vuelve a interpretar un papel de villano, encarnando a Frank D' Amico, el mafioso objetivo de Big Papi y Hit Girl de la manera a la que nos tiene acostumbrados, sereno en todo momento y mostrando su furia cuando es necesario. Un villano como los de las películas de antaño. Buenísimo actor, de lo mejor del film.
La nueva promesa es Chloe Moretz, que interpreta de forma súblime para alguien de esa edad a Hit Girl. Un papel que le va como anillo al dedo y al que aporta una gran personalidad única, mostrándose sanguinaria a la vez que inocente que rompe con el tópico de los niños actores odiables. La mejor interpretación de la película para una actriz novel.

En resumen, una película destacable dentro del cine superheroico que aporta un toque de frescura a este género tan plano y repetitivo. Interpretaciones buenas como la de Mark Strong y Chloe Moretz comparten planos con interpretaciones normales y corrientes, nada novedosas, como las de Nicolas Cage (que parece estar recuperándose de su laaarga caída en picado) o la de Aaron Johnson. Buenos efectos especiales y escenas de acción hiperviolentos se aunan con momentazos del humor más negro. Un producto perfecto para pasar una buena tarde de cine.

RECOMENDADO para todos aquellos fans del cine de superhéroes, para aquellos que creen que este esta acabado, para fans de Mark Strong y en general para todos los que quieran pasar una buena tarde de cine palomitero

EL SILENCIO DE LOS CORDEROS de Thomas Harris

Los Estados Unidos se hayan aterrorizados por las acciones de un asesino psicópata conocido como "Buffallo Bill" que se dedica a asesinar mujeres a las que posteriormente arranca la piel. Falto de sospechosos y sin pistas a las que agarrarse, los agentes del FBI dirigidos por Jack Crawford se encuentran desbordados. En medio de esta situación caótica, la joven estudiante de la Academia del FBI Clarice Starling es enviada a realizar una entrevista a un famoso psiquiatra y asesino convicto llamado Hannibal Lecter, autor de numerosos crímenes en los que acababa canibalizando a sus víctimas. El Dr. Lecter parece dar muestras de tener un interés especial en Clarice. Cuando Buffallo Bill secuestra a la hija de una senadora y el Dr.Lecter insinúa saber alñgo acerca de la identidad del asesino, Clarice Starling tendrá que enfrentarse a los depravados juegos mentales del Dr.Lecter para así poder dar con la identidad de Buffallo Bill y así atraparle antes de que este acabe con la vida de su víctima.

Los psicópatas es un tema que me interesa mucho, y no por el morbo que contienen sus historias, que tambien, sino porque es un tema muy complejo y, al día de hoy, indescifrable. ¿Que es lo que hace que alguien se vuelva un psicópata?, ¿Donde acaban el bien y el mal para una persona?, ¿De verdad un psicópata es consciente de la maldad de sus actos?, son preguntas que muchos especialistas han tratado de resolver a lo largo de los tiempos, y que siguen sin respuesta, porque los mecanismos que actúan en la mente humana son tan complejos que resulta imposible intentar averiguar algo sobre ellos.

¿Qué intento decir con esto?, pues que un psicópata es un personaje muy díficil de manejar, muy complejo y por varios motivos. Primero, debes de tener un psicópata que atraiga a la gente, el morbo, ese es el principal motivo por el que el público quiere oir hablar de psicópatas. Segundo, un psicópata no es un personaje cualquiera, tienes que inventarte un origen y un motivo por el cual comete sus acciones. Así pues, manejar a un psicópata es un tarea dificultosa, una tarea que Thomas Harris afronta con notables resultados.

En el Silencio de los corderos, Harris nos presenta una intriga policíaca donde cobran mucha importancia los distintos puntos de vista de los personajes, en especial los de los psicópatas Buffallo Bill y Hannibal Lecter, a la vez que se ofrece la visión de los acontecimientos por parte de la protagonista Clarice Starling, por parte de Jack Crawford e incluso por parte de Catherine Martin, la secuestrada por Buffallo Bill. Estos personajes son distintos a su manera, sin embargo tienen algo en común, todos y cada uno de ellos poseen el mismo nivel de complejidad.

Si en su anterior novela, "El Dragón Rojo", Harris nos presentaba al psicópata Francis Dollarhyde como un hombre cuyo aspecto físico le había ocasionado maltratos por parte de su familia así como el inicio de su obsesión por las pinturas del "Dragón rojo" de William Blake, sobre las que basaba sus asesinatos, en "El Silencio de los Corderos" el asesino, "Buffallo Bill", es el resultado de combinar las vidas de diversos psicópatas reales, como Ed Gein (que inspiró películas como Psicosis o La Matanza De Texas) o Ted Bundy, así como comparte rasgos con el personaje de Dollarhyde de la anterior novela de Harris. Sin embargo, mientras que con el "Dragón Rojo" el autor ahondaba en el tema de la doble personalidad, con "Buffallo Bill" se introduce en el campo de los trastornos ocasionados por problemas con la sexualidad. Aún con todos estos detalles, "Buffallo Bill" es un personaje muy complejo, un personaje que aún tras dos lecturas de la novela no he acabado de comprender...quizá sea esta la imagen que quiere dar el autor sobre el psicópata, la de una persona casi imposible de comprender.

Luego tenemos la otra cara de la moneda.Humanidad en todo su esplendor. Clarice Starling, una mujer guiada por todas las directrices por las que se debe guiar un ser humano: justicia, amor, etc...Sin embargo, vemos que como "Buffallo Bill", Starling tiene un motivo por el cual persigue al asesino de esa manera tan "obsesiva" se podría llegar a decir, y que ese motivo además posee un origen. A mi parecer este es el dato más interesante que podemos obtener de la novela, que todos los seres humanos, seamos policías justos o asesinos en serie tenemos unos objetivos en la vida que guían nuestros actos, y dichos objetivos como cualquier cosa han de tener un origen. Creo que no hay frase que lo exprese mejor que aquella del Agente Smith en Matrix que decía:
"Es el objetivo lo que nos ha creado...el objetivo nos vincula, el objetivo nos motiva, nos guía, nos mueve, es el objetivo lo que nos define"

Y precisamente dentro de los límites que imponen estos objetivos que nos autoproponemos se mueve el psiquiatra Hannibal Lecter. EL personaje de la novela sin lugar a dudas. Más que un personaje es un esbozo de personaje, sus objetivos y desde luego su origen no quedan claros en absoluto ¿que es lo que busca Hannibal Lecter en la novela?, ¿Por qué?,¿el motivo de sus asesinatos?, todas preguntas sin respuesta. Sin embargo Lecter es el hilo conductor de todos los personajes del libro, él es el único que ve todo, que lo sabe todo, y que en última instancia tiene el control sobre todo.

Entre semejante tríada protagonista se mueven una serie de personajes más bien arquetípicos que cumplen una función de rellenar huecos, más que otra cosa: está el mentor (Jack Crawford), la amiga (Ardelia Mapp), la víctima (Catherine Martin), etc

Al margen de los personajes, la novela está narrada con una prosa clara y más bien escasa de artificios, salvo por algunos juegos de palabras esporádicos, lo que hace de Thomas Harris un narrador normalillo a más no poder. No destaca para nada por su forma de escribir.

En resumen, Thomas Harris nos presenta una novela de suspense, con una trama muy bien hilada, unos personajes protagonistas sobresalientes acompañados por unos secundarios arquetípicos que el autor utiliza para intentar profundizar en la mente del psicópata, y hacer que el lector también lo intente. Sin embargo, la calidad de la novela habría mejorado si el autor hubiera mejorado un poco su estilo de escritura. A pesar de ello, "El silencio de los corderos" constituye un producto de lo más notable dentro de las novelas de suspoense. Un clásico de esos que nunca mueren.

RECOMENDADO a todos aquellos que deseen conocer a Hannibal Lecter, a los interesados en el tema de los psicokillers, y a los que no también, a los que hayan visto la película y quieran saber de donde surgió la historia del psiquiatra y en general, a todos los que quieran degustar uno de los mejores casos policiales jamás escritos de la historia.

La Butaca: LA MUERTE TENIA UN PRECIO de Sergio Leone

Título: La Muerte Tenía Un Precio (For A Few Dollars More)
Director: Sergio Leone
Intérpretes: Clint Eastwood (El Manco), Lee Van Cleef (Coronel Mortimer), Gian Maria Volonté (El Indio), Luigi Pistilli (Groggy), Klaus Kinsky (El Jorobado)
Año: 1967
Calificación: (sobre 10): 9

Sergio Leone era un dios entre mortales, eso debería estar claro para todo el mundo a estas alturas de la existencia, debería enseñarse en los colegios. En vida nos dio algunas de las mejores películas de la historia del cine como Hasta Que Llegó su Hora o Erase Una Vez América, pero es sobre todo conocido por una trilogía conocida como "La Trilogía del Dolar" que pasaron a la historia por remodelar completamente la forma de hacer westerns. El cine del oeste ya no volvería a ser el mismo tras Sergio Leone, y eso lo ve uno claramente al ver estas tres joyas del cine: "Por un puñado de dolares", "El bueno, el feo y el malo" y la que hoy nos ocupa "La muerte tenía un precio".

En esta ocasión, Leone nos presenta a dos cazadores de recompensas, "El Manco" y el Coronel Mortimer, en busca de la misma presa: un sanguinario fugitivo conocido como "El Indio" por cuya cabeza ofrecen 10.000 dolares. Cuando ambos se vean superados por los acontecimientos deberán unirse para conseguir el ansiado objetivo.

Simple y directo, así es el argumento de la película. Y es que Leone no busca más, lo que hace es marcar un escenario concreto, una historia cerrada, sin finales abiertos, sin fisuras, en la que pueda hacer lo que mejor sabe, jugar con los personajes y sobre todo, con las imágenes, con las secuencias. Porque lo que marca la diferencia la diferencia entre un western de Leone y un western cualquiera es que, cuando en un western cualquiera alguien ejecuta un disparo decisivo tarda unos escasos segundos. Cuando alguien ha de realizar un disparo clave en una peli de Leone, el tiempo se detiene, los minutos pasan, los contrincantes se analizan, el espectador todo eso en tensión, y finalmente se produce el disparo. En resumen, lo que cualquiera puede hacer de cualquier manera Leone lo transforma en poesía hecha imágenes.

Cuando se trata de escenas "míticas" , escenas llamativas por la emoción, tensión, etc que desprenden, Leone es uno de los mejores (algo que aprendió y muy bien su discípulo del siglo XXI Quentin Tarantino, aprovecho para citar una frase de mi profesor de literatura sobre el cine de Tarantino: "Te gusta Tarantino pero no lo entiendes... no puedes entenderlo si no has visto antes a Leone, entiende a Leone y entenderás a Tarantino"), y aunque es en "El Bueno, el feo y el malo" donde alcanza el clímax, "La Muerte Tenía Un Precio" tampoco anda escasa de estos momentos. Cualquiera que la haya visto recordará la escena de presentación de los cazarrecompensas al comienza del film, en la que se ve como cada uno atrapa a un fugitivo, observándose sus métodos de caza tan diferenciados; o la escena en la que ambos se vuelan mutuamente los sombreros a tiros. Aunque sin duda, como en el resto de películas de la "Trilogía", la escena clave es el clímax final, los famosos duelos finales de Leone tan alabados, homenajeados (y parodiados también), que aquí se muestra en todo su esplendor con una secuencia de cuatro minutos de duración en la que los tres personajes principales intercambian algo más que disparos.

Algo que tiene Leone que no tienen otros directores es que sabe definir muy bien los personajes. Así en esta película tenemos al villano sanguinario pero lleno de remordimientos por sus acciones pasadas (el Indio), al justiciero (Mortimer) y al antihéroe ("El Manco"). Y es que una vez más Clint Eastwood demuestra que él es el único pistolero solitario del oeste americano. Su interpretación no podía ser de otra forma, él es el hombre sin nombre, un personaje que ha pasado a los anales del cine. El mismo revolver, el mismo sarape usado y reusado, la misma expresión, el mismo cigarro liado. Eastwood es y será siempre el pistolero del western, el protagonista perfecto para una película del oeste. Porque Eastwood no interpeta, es él mismo. No hay más que decir.

Aunque en mi opinión, esta no es su película, es la de Lee Van Cleef, que muestra que puede hacer papeles tanto de bueno como de malo con la máxima corrección posible, demostrando así ser uno de los mejores actores de western que hayan existido. Su interpretación no se puede definir de otra manera que magnífica, colosal, enorme. Cuando Lee Van Cleef aparece en pantalla, todo lo demás existente en la secuencia parece perder importancia, porque él es el centro de la escena. El personaje de Mortimer es uno totalmente distinto al de Eastwood, mientras uno es rápido y mortífero, el otro es meticulos, frío y calculador, y eso se muestra sobre todo en la escena inicial en la que el hombre al que persigue le dispara repetidas veces, fallando por supuesto, mientras el monta su revolver con total parsimonia. En resumen, Lee Van Cleef está mejor que nunca aquí, consiguiendo lo que es casi imposible, restarle protagonismo a Clint Eastwood.

Gian Maria Volonté está tambien fenomenal en el papel de El Indio, demostrando que sabe hacer algo que sólo actores como Jack Nicholson; Anthony Hopkins o Heath Ledger han conseguido: saber interpretar a un demente. Porque El Indio está loco pero aún así también es un ser humano y tiene conciencia, y remordimientos, y esos contrastes en el caracter del personajes son mostrados por Volonté de una manera soberbia que ya querrían muchos actores actuales.

Buena historia, buenos personajes, buena dirección ¿que es lo que hace falta para completar una buena película?, os lo diré: una buena banda sonora. Algo que a cualquiera le viene a la mente cuando oye el nombre de Ennio Morricone, genial compositor y una inspiración para mi. Morricone y Leone trabajaron juntos repetidas veces, creando así algunas de las bandas sonoras más recordadas de la historia del cine. Y no tengo nada más que decir sobre esto.

En resumen, "La Muerte Tenía Un Precio" es una grandísima película que tiene todos los ingredientes necesarios para que una película tenga un éxito asegurado. Sin embargo, es ligeramente inferior a su hermana mayor, "el bueno, el feo y el malo" (una de mis 10 películas favoritas), así creo que es justo que si para mí "El Bueno, el feo y el malo" tenga un diez, esta tenga un 9. Así pues, dejaos llevar por los aires del western en los que una vida valía más que el oro y disfrutad de una de las mejores historias del oeste jamás contadas.

Y ahora que he terminado de contar todo esto, recoge tu revolver... cuando la música de este reloj pare dispara...si eres capaz...BANG¡¡



RECOMENDADA a fans del spaggueti western, seguidores de clint eastwood, a todo el que quiera volver a los tiempos del western americano, a aquellos que quieran ver una película sublime y a aquellos que no también.

HARRY POTTER Y EL CÁLIZ DE FUEGO de J.K. Rowling

NOTA: Posiblemente existan referencias a anteriores entregas a lo largo del post que, por el hecho de ser una cuarta parte, no señalare como SPOILERS

Harry Potter (decir quien es a estas alturas de siglo sería un ejercicio totalmente innecesario) tiene ya 14 años y está preparado para empezar su cuarto curso en la escuela Hogwarts de Magia, sin embargo, cuando durante los Mundiales de Quidditch unos disturbios provocados por partidarios de Lord Voldemort, el antaño señor oscuro, se salden con la aparición de la llamada Marca Tenebrosa. A partir de aquí comenzarán una serie de fatídicos acontecimientos en los que Harry parece siempre tener algo que ver, y que culminan cuando, durante la celebración del Torneo de los Tres Magos (un acontecimiento que reuna a las escuelas de magia más importantes de Europa para que tres de sus alumnos se enfrenten a lo largo de una serie de pruebas) el nombre de Harry aparece en el Cáliz de Fuego, obligándolo así a participar en el susodicho. ¿Quién puso el nombre en el Cáliz de Fuego? ¿Por qué? son misterios que Harry deberá intentar resolver mientras se enfrenta a tres terribles pruebas que podrían llevarle a la muerte.

Hablar del Cáliz de Fuego es hablar de la novela de maduración de Harry Potter, principalmente porque por primera vez Harry se enfrenta a problemas que afectan directamente a su persona (aunque se podría considerar que la trama en torno a Sirius Black durante el tercer libro sería el comienzo de estos problemas). Ya no es el niño que intenta impedir que el señor oscuro se haga con la piedra filosofal o que intenta resolver el misterio que esconde la Cámara de los Secretos. Aquí Harry se encuentra cara a cara con peligros que nunca había enfrentado y que tiene que superar el sólo, sin ayuda. Por lo tanto, conforme vayamos avanzando en la novela y sobre todo al final, veremos como Harry madura, deja de ser un niño para dar paso a una persona consciente de que el papel que tiene que cumplir dentro del mundo que le rodea es mucho más importante de lo que él pensaba. Dicha maduración se refleja sobre todo en el tono oscuro que rodea a la novela en la que, por primera en toda la saga, se ven reflejadas explícitamente las muertes de algunos personajes, tono oscuro que se hará mucho más patente en las posteriores secuelas.

Miento al decir que Harry se debe enfrentar a sus problemas solo, ya que como apoyo tendrá a una serie de personajes que intentaran ofrecerle toda la ayuda posible. Al margen de la tríada principal de personajes: Harry, Ron y Hermione (que por cierto sufren conflictos a lo largo del libro, otro síntoma de maduración del personaje, el cual intenta resolver dichos problemas personales de la forma más razonable), tenemos a personajes nuevos y ya conocidos que merecen sin duda que me detenga un poco en ellos.
Por un lado, el cazador de magos tenebrosos más temido de todos y nuevo profesor de Defensa Contra las Artes Oscuras: Alastor "Ojoloco" Moody. Personaje único allí donde los haya que, a diferencia de los anteriores profesores de DCLAO goza de un papel mucho más "importante". Quirrel del primer libro era un personaje más en ese mundo que J.K. Rowling describía (exceptuando el final del libro), Gilderoy Lockhart del segundo era un elemento cómico añadido a la obra y Lupin era una especie de "ayuda en los momentos más difíciles", Moody sin embargo un personaje totalmente diferente, que siempre estará presente para ayudar a Harry, para sacar de quicio a más de uno o simplemente para provocar un poco el caos allá donde vaya. Radical, Extravagante, Loco, Violento, Cruel...son tantos los adjetivos que se le pueden aplicar a este personaje, que en más de un momento parece estar peligrosamente situado en la frontera entre el bien y el mal y que regala algunos de los momentos más memorables del libro (inolvidable el capítulo en el que enseña las maldiciones imperdonables a sus alumnos), lo que lo convierte en uno de los personajes más brutales y atractivos del libro y de toda la saga en general.

Por otro lado, Harry seguirá contando con el apoyo de Sirius Black, con un papel menos protagonista pero más activo que en el tercer libro (los que lo hayan leído lo entenderán) así como por parte de Hagrid, que aporta tanto elementos cómicos (escregutos de cola explosiva XD ) como trágicos a lo largo del libro, además de la reaparición de cierto elfo doméstico que en esta ocasión no traerá quebraderos de cabeza al protagonista.

Al igual que amigos, Harry seguirá teniendo enemigos, y esta vez más que nunca, ya que, como un augurio de muerte, aquellos que desean el mal para el brotarán de todas las aprtes imaginables. Aparte del antagonista de Harry, Draco Malfoy, tenemos a Igor Karkarov, director del colegio vistante Durmstrang, que al parecer, indignado por el hecho de que Harry entrara en el Torneo, intentará pararlo usando como títere a su campeón Viktor Krum. Acosado además por aquellos que desean su expulsión del Torneo, Harry se enfrentará a un enemigo que nunca antes había tenido: la opinión pública. Y es que la aparición de una periodista sensacionalista como es Rita Skeeter no le pondrá las cosas fáciles a Harry, quien se verá atacado por gente de su alrededor, gente de fuera del colegio, y lo que es peor, por gente de su círculo más cercano (algo así como lo que ocurrió durante el segundo libro cuando todo el colegio creía que el era el heredero de Slytherin pero potenciado al extremo) , lo que representará uno de los problemas principales a los que tendrá que hacer frente.

He hablado ya mucho sobre los personajes, y podría seguir hablando, sin embargo, no puedo acabar el post sin detenerme un poco en J.K. Rowling.
Crear un mundo de la nada es una tarea extremedamante difícil, un mérito que ya le reconocí en su tiempo a J.R.R Tolkien, a Stephen King (ese Mundo Medio de su saga de la Torre Oscura) y tambien a J.K. Rowling. Sin embargo, hacer evolucionar ese mundo conforme evoluciona tu visión del mundo que te rodea es algo que muy pocos pueden hacer y que J.K. Rownling consigue exitosamente aquí. Y es que la maduración del personaje es en sñi una maduración de la propia autora y del rumbo que desea que su obra tome, y esto se hace plausible en muchos aspectos: tono de los diálogos, descripciones y narraciones; en los nuevos personajes creados; en el desarrollo de la trama e incluso se aprecia una considerable maduración en el estilo de escritura (que comienza a alejarse del tono más infantil de los libros anteriores.

En resumen, Harry Potter ya no es el niño mago que era, y eso queda muy claro en esta cuarta entrega de la saga. Una novela mucho más oscura que sus predecesoras, mucho más madura, quizáun poco larga, ya que existen partes que podrían haberse reducido (el dilema de Hermione frente a la esclavitud de los elfos domésticos ocupada demasiadas páginas a mi aprecer). Sin embargo, eso no quita que la n0vela sea agradable, fácil de leer, atrapante y lo que es mucho más importante: entretenida a más no poder.
Así pues, creo que estos son suficientes motivos para que, cualquier intereado, se relaje, tome asiento y se prepare para disfrutar de la frenética emoción del Torneo de Los Tres Magos.


RECOMENDADO a fanáticos de Harry POtter ( la maldición imperius os ordena releer este libro), aquellos que hayan comenzado el viaje por el mundo mágico y deseen continuar, a todos los que quieran pasar un buen rato, a los que crean como yo que un dragón en la contraportada de un libro siempre queda bien y sobre todo a aquellos escépticos que crean que por ser una novela destinada a un público más joven no puede tener violencia, muertes, desgracia y temas oscuros por todas partes... ¡¡ AVADA KEDABRA!!

La Butaca : DOGMA de Kevin Smith

Título: DOGMA
Director: Kevin Smith
Intérpretes: Ben Affleck (Bartleby) , Matt Damon (Loki) , Linda Fiorentino (Bethany) , Alan Rickman (El Metatron) , Jason Lee (Azrael) , Chris Rock (Rufus) , Salma Hayek (Serendipity) , Jason Mewes (Jay) , Kevin Smith (Bob el Silencioso)
Año: 1999
Calificación (sobre 10): 7

Comedias. Hoy en día el cine en general ha llegado a un punto en la historia en el que las comedias parecen basarse únicamente en chistes de sexo y los típicos de caca-culo-pedo-pis, a saber la saga "Scary Movie" (excepto la primera, a la que le reconozco cierto mérito), "Date Movie", "Disaster Movie" (y demás "movies") o "joyitas" del cine del siglo XX como" Dos Policías Rebeldes 2" o "Esta Abuela es un Peligro"y su secuela. Si uno echa la vista atrás digamos 20 años por ejemplo se encontrará con las grandes comedias de la historia, aquellas llenas de humor ingenioso como "La vida de Brian", "Con faldas y a lo loco" o "Una noche en la ópera" de los Hermanos Marx.

Sin embargo, entre ambos periodos de la historia hubo un momento en el que los chistes fáciles y el humor ingenioso coincidieron en una misma película ,dando lugar a comedias que podían gustar tanto a los públicos más conformistas como a los más exigentes, como "Los Padres de Ella" y su secuela (mucho mejor en mi opinión), "Aterriza como puedas" o el caso de hoy, DOGMA.

El punto fuerte de Dogma es aunar una comedia con momentos tanto absurdos como ingeniosos con un argumento bastante complejo y atractivo, algo muy raro en esta clase de películas.

En DOGMA, Bartleby y Loki, dos ángeles caídos son engañados por Azrael, un demonio, el cual les muestra una forma por la cual podrían regresar al cielo. Ambos ángeles deberían atravesar el arco de la iglesia de St. Michael en Nueva Jersey el día en el que se celebre una festividad católica, la indulgencia plenaria, por la cual todos sus pecados serían redimidos y podrían volver al paraíso. Sin embargo, todo forma parte de un malvado plan por el cual se demostraría que Dios cometió un error en su plan divino, lo que conllevaría la destrucción total de toda la existencia. Para impedir que esto suceda, Dios envía a su siervo más próximo el Metatron, el cual convence a Bethany, la última descendiente de Jesucristo de que impida a Bartleby y Loki entrar en la iglesia. Sin embargo, en dicha cruzada no estará sola, ya que contará con la ayuda de Rufus, el decimotercer apostol, expulsado de la Biblia por ser negro; Serendipity, una musa; y dos profetas, Jay y Bob el Silencioso.

Como toda comedia, la película no cuenta con una dirección espectacular, sino más bien todo lo contrario, aunque en este género se es de agradecer una buena dirección tampoco es un punto fundamental para una buena comedia, por lo que no se lo tendremos muy en cuenta a Kevin Smith.
Sin embargo, aparte de un poderoso guión, la película posee un elenco de personajes fuera de lo común que constituyen el principal punto a favor de la película. Tenemos a los ángeles caídos, Bartleby, interpretado por Ben Affleck quien añade una más que bochornosa interpretación a su lista de más que bochornosas interpretaciones ( a saber "Daredevil" o "Armaggedon" por poner algunos ejemplos), y Loki, encarnado por Matt Damon de forma correcta. Por otro lado tenemos a la heroína de la película, Linda Fiorentino, que al igual que Damon cumple con un aprobado el papel que se le pide, a Chris Rock, en el papel del típico "negro graciosillo" que aquí si que tiene algo de gracia a su favor y a Jason Lee como el villano de la película, que realiza una actuación de inferior calidad a la del resto de los personajes y que sin embargo no llega al nivel de desastre de Affleck, de lejos lo peor de la película (lo que sin embargo no desluce las interpretaciones del resto del elenco).

A pesar de ello, uno siempre se queda con algún personaje que, a pesar de no ser el protagonista de la película, es mucho más atrayente que el resto de actores. En este caso tenemos a varios. Por un lado, Alan Rickman, un pedazo de actor, que da vida al Metatron, un personaje muy cómico cuyo aspecto y comportamiento sería más similar al de un enterrador que al de un payaso, aspecto que Rickman afronta satisfactoriamente. Por otro tenemos a una de las parejas más emblemáticas de toda la historia de las comedias, unos personajes que forman ya parte de la historia del cine en el siglo XXI. Me refiero a Jason Mewes y el propio Kevin Smith como Jay y Bob el Silencioso. Ambos actores repiten una vez más como el dueto de camellos que a pasado a ser un símbolo del cine de Smith, ya que aparecen en casi todas sus películas. Es por ello, que ambos actores saben perfectamente como son sus personajes y cual es su función dentro de la película, aspecto que se nota a la hora de su visionado. Por un lado, Mewes como Jay da forma al personaje destinado al público más gamberro que acude al cine en busca de chistes fáciles, mientras que Bob el Silencioso sirve como complemento a dichos chistes de mayor sencillez, añadiendo una gota de ingeniosidad que se hace visible sobre todo en la gesticulación del personaje.

El otro punto fuerte del film es la conjunción de situaciones cómicas bastante ingeniosas a la par que gamberras ( como por ejemplo los gags del Golgota, la aparición de Rufus o el "Jesucristo Colega") con un argumento que sienta los cimientos para los sucesivos gags que tendrán lugar en los dogmas religiosos de la iglesia católica, explotando sus partes más, por decirlo de alguna forma, "excluyentes" (¿porque Jesús tendría que ser blanco?, ¿acaso Dios no podría ser una mujer?, etc ) todo ello sin ánimo de ofender a ningún creyente, únicamente Smith decide extraer las que para él son las partes más incoherentes de la Biblia y expresar su desconcierto ante ellas de la forma más inocente que existe, en forma de comedia.

En resumen, una comedia para todos los gustos, con un argumento atípico y más que satisfactorio, un elenco de personajes con interpretaciones que van desde el suspenso (Affleck...), pasando por unos aprobados satisfactorios, hasta llegar a los notables y sobresalientes que se agradecen bastante (Jay y Bob el Silencioso y Rickman). Igualmente, un disparate tras otro, que sin embargo encierra un mensaje claro hacia la iglesia católico: ¿acaso hay que fijarse a rajatabla en toda lo que se asegura la Biblia?.
Un grandísimo trabajo de uno de los más ingeniosos directores de comedias de los últimos tiempos. ¡¡Buen trabajo señor Smith!!

RECOMENDADA a católicos radicales, ateos convencidos, a aquellos que piensen que la religión no hay que tomársela siempre en serio y en general, a aquellos que deseen ver una buena comedia sin perderse por ello en un pozo de mierda dirigida y guionizada y de malas interpretaciones.

SEDA de Alessandro Baricco

La historia de SEDA nos habla de Hervé Joncour, hijo del alcalde del pueblo francés de Lavilledieu, que es persuadido por el empresario Baldabiou para dirigirse a Japón en busca de unos contrabadistas de seda con los que hacer negocios para, de esa manera, burlar la crisis en la que se ven inmersas las hilanderías de la villa debido a una plaga que ha diezmado la producción de gusanos de seda africanos. El viaje que en principio parece un simple viaje de negocios, se convertirá en un viaje de descubrimiento de un mundo totalmente nuevo y el comienzo de una obsesión, la obsesión por una mujer...

Una trama sencilla inaugura una obra pequeña por su extensión pero grande en cuanto a la expresividad y los sentimientos que desprende.
Baricco recrea la vida, obra y milagros del empresario aventurero Hervé Joncour en un mundo que se dirige irremediablemente a la revolución industrial y a la sociedad capitalista. En medio de ese proceso, Joncour es obligado a viajar a un país que por aquellos tiempos rechazaba todo lo extranjero, por tanto, un país que por tradición le daría la espalda. La llegada del comerciante a Japón de hecho, es recibida con violencia, sin embargo pronto ambas facciones (la oriental y la occidental) se verán obligadas a convivir y a compartircostumbres y vivencias lo que, irónicamente, hará que el más "evolucionado" Joncour se enriquezca y aprenda de aquellos a los que supuestamente consideran más primitivos.

Por este mundo en cambio deambulan una serie de personajes que resultan ser la principal baza del autor a la hora de atrapar al lector junto con la historia amorosa que comentaré más adelante.

Por un lado tenemos a Hervé Joncour, un extraño en tierra extraña, que conforme avanza la novela se verá atrapado por un mundo tan distinto al que está acostumbrado como atractivo. Dicha atracción se deberá en gran parte a una obesesión, ya que Joncour se enamora a primera vista de una mujer que, aparentemente nadie más puede ver. Este enamoramiento será pues el motivo principal de que le protagonista vuelva a Japó, así como el tema central de la novela. Sin embargo, Joncour es únicamente el cimiento alrededor del cual el autor construye unos personajes que son los que canalizan las aunténticas ideas que Baricco quiere transmitir y que son recibidas por el protagonista.

Por un lado tenemos a Baldabiou, burgués hecho y derecho, que en un principio incita a Joncour a viajar a Japón para luego mostrarse algo reticente a la continuación de esos viajes. Baldabiou resulta ser el prototipo de hombre acomodado y que al parecer no tiene ninguna preocupacion. Baldabiou se encarga de proporcionar algunos de los momentos más rememorables de la novela.

Por otro lado, tenemos a Hara Kei, contrabadista japonés y aunténtico mentor de Joncour durante la novela. El personaje de Hara Kei es todo lo contrario a Baldabiou, tradicional, rechaza el proceso, etc pero a pesar de ello, se reserva para aquel que lo quiera escuchar los momentos más filosóficos de la historia. Dichos momentos puedo calificarlos como uno de los puntos fuertes por parte del autor, ya que en ellos se reflexiona sobre la felicidad o la libertad por ejemplo, reflexiones que son metaforizadas por el autor a través de elementos propios de la cultrua japonesa.

En cuanto a los personajes femeninos, aparte de la mujer misteriosa, tenemos a la la aunténtica mujer de Joncour, Hélene, ama de casa preocupada por su marido y que al parecer cree que la pareja ha perdido la magia del amor. Incluso ronda por la historia, una japonesa-francesa dueña de un burdel que no tiene nada que envidiar a las famosas geishas de antaño.

Como hilo conductor de toda la historia se utiliza el amor, un amor que al contrario de la mayoría de las novelas de amor, no muestra en ningún momento que ambas partes entren en contacto, es un amor a distancia, un amor que únicamente comparten el protagonista y la mujer, un amor que pasa desapercibido, un amor que es como la nada, intangible, ligero...un amor como la SEDA.

En resumen, SEDA es una novela corta que sin embargo tiene uno de los índices más altos de contenido sentimental y expresivo por página que he visto en mucho tiempo. Un pequeño placer que no os robará vuestro tiempo y que seguramente os complacerá y os invitará a creer de nuevo en un mundo más allá del que vivimos día a día en el que el amor reina por encima de todas las cosas.

Recomendado para todos aquellos enamorados del Japón y para aquellos/as que a día de hoy creen que para que una novela romántica necesita de declaraciones explícitas....¡¡Esto es aunténtico amor!!